Натюрморты Игоря Орлова

Сегодня познакомилась с совершенно удивительными натюрмортами современного художника.

Игорь Михайлович Орлов (род. в 1935) – московский живописец, выпускник МСХШ, Суриковского института, Народный и Заслуженный художник РФ. Его работы самобытны и выразительны. Название выставки и творческого объединения “Романтика реализма” в полной мере отражает смысл и стилевое направление работ Орлова.

Обратившись к статье Г.Чиняковой в журнале “Юный художник” (№6, 2006), нахожу искренние слова самого художника: “Полотна последних лет отличает глубокая внутренняя умиротворенность, тишина, благодарная радость. «Я часто мысленно произношу молитву: Господи, благодарю Тебя за то, что Ты мне дал еще один день – такой неповторимо прекрасный. Благодарю за то, что я могу видеть, слышать, передвигаться, осязать, обонять, думать, вспоминать. Я начинаю день, и у меня нет уныния. Господи, помоги мне славить этот мир, передать его красоту и неповторимость. Я – частица этого мира. Капля воды сливается с океаном, а океан сливается с каплей. Так и я соединяюсь с окружающим миром, и мир входит в меня, образуя неразделимое целое», – пишет художник”.

Натюрморты Орлова наполнены созерцанием предметной жизни, как части мироздания. Это единение микро-мира человека и макро-мира Вселенной.

Выставки Русского музея. Весна 2017

Вчера был день музеев. Так совпало, что именно вчера я решила посетить выставки Русского музея.

Выставка “Виктор Борисов-Мусатов и мастера общества “Голубая роза“, продлится до 29 мая 2017 года) в залах Инженерного замка. Замечательная, камерная экспозиция умиротворяет и настраивает на поэтический лад. Помимо нежнейших, насыщенных воздухом и светом полотен Борисова-Мусатова на выставке представлены и яркие натюрморты Сапунова, и контрастные образы Сарьяна, и медитативные сцены азиатской жизни Кузнецова. А также и работы художников, чьи картины и рисунки редко встречаются в музейных и частных собраниях (И.А.Кнабе, Н.П.Феофилактов, Н.П.Рябушинский).

Н.Н. Сапунов "Цветы и фафор", 1912
Н.Н. Сапунов “Цветы и фафор”, 1912 

В Михайловском дворце, в корпусе Бенуа, до 24 июля 2017 года продлится выставка, посвященная 175-летию со дня рождения всемирно известного русского художника-баталиста Василия Васильевича Верещагина. Это по-настоящему важное событие, которое не стоит пропускать. На выставке собраны не только работы батального жанра, но и картины, зарисовки, этюды, привезенные из путешествий.

Верещагин-путешественник, внимательный, беспристрастный, иногда сдержанно-репортажный, а иногда трогательный и поэтичный – вот тот образ художника, который мне запомнился после этой выставки. Идеальная форма предметов, голов, рук, домов – доведенная до совершенства в скрупулезности изучения, до гипперреализма и фотографичности. И тут, же, рядом, лицо старухи, в котором собрано столько эмоций и историй, что, может, по яркости образов сопоставить…. с повестями Лескова, например.

Верещагин тонко предчувствует кинематографическую композицию, создавая такие ракурсы и движение, такую перспективу и свет, которые появятся позже, на экранах в движущихся картинках.

В чистом виде натюрморты и интерьеры не очень интересуют художника. Но архитектурные зарисовки, передача точности фактуры, материальность и осязательность – это все часть художественного метода Верещагина. Для картин, посвященных посещению Японии, художник разработал особый орнамент рамы.

Внутренний вид церкви Иоанна Богослова на Ишне близ Ростова Ярославского
Внутренний вид церкви Иоанна Богослова на Ишне близ Ростова Ярославского

В. Верещагин. Храм в Токио
В. Верещагин. Храм в Токио

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

И, наконец, еще одна выставка в корпусе Бенуа “Искусство Великого Новгорода эпохи святителя Макария“, посвященная периоду искусства Великого Новгорода первой половины – середины XVI столетия. Продлится до 31 августа 2017 года. Помимо прекрасной иконописи, в экспозиции представлен амвон. Удивительное сооружение, которое, ссылаясь на аннотацию, было собрано без клея и гвоздей искусными новгородскими резчиками, которых за мастерство называли “хитрецами”. Амвон украшен раскрашенной скульптурой.

Деревянный Амвон 1533 года из собора Святой Софии Великого Новгорода (высота - 300 см, окружность 600 см)
Деревянный Амвон 1533 года из собора Святой Софии Великого Новгорода (высота – 300 см, окружность 600 см)

Деревянный Амвон 1533 года из собора Святой Софии Великого Новгорода (деталь)
Деревянный Амвон 1533 года из собора Святой Софии Великого Новгорода (деталь)

Мастер цветочного натюрморта Рулант Саверей

Нидерланды начала XVII века удивляют своей страстью к жизни. Только что страна пережила войну за независимость, разбой испанской инквизиции, зверства герцога Альбы. Но несмотря на это, молодое государство жило и развивалось, как нежеланный, но крепкий ребенок, не вовремя родившийся в семействе Европы. Расцвет искусств, поэзии, формирование общественных институтов, новой философии протестантизма – все это сделало Голландию сильным и уникальным в своем развитии государством.

Развитие свободного художественного рынка в начале XVII века создало благоприятные условия для обновления тем в изобразительном искусстве. Интересно, рассуждали ли деятели искусств в русле критики и сожаления, о том как измельчали темы, что вместо воображаемых возвышенных сюжетов художники обращаются к реальному бренному миру, как он есть, что вкус бюргеров-заказчиков далек от сохранения традиций и т.д. Так или иначе, новый уклад молодой страны потребовал новые формы изобразительного искусства. Среди прочего становится популярным цветочный натюрморт: букеты и гирлянды – в творчестве таких художников как Рулант Саверей (Roelant Savery 1576-1629), Якоб де Гейн (Jacob  Jacques de Gheyn II 1565-1629), Ян Брейгель Старший (Jan Bruegel de Oude 1568-1625), Амброзиус Босхарт Старший (Ambrosius Bosschaert de Oude 1573-1621).  И сегодня я бы хотела остановиться подробнее на биографии и творчестве Руланта Саверея.

Рулант Саверей родился в Нидерландах в 1576 году, в 1612 году был приглашен императором Рудольфом II в Прагу, где работал в знаменитом кружке рудольфинцев. Император Священной Римской Империи Рудольф II принимал при своем дворе католиков и протестантов, изгнанных ученых и астрологов. Рудольфинский круг сформировался вокруг наук, искусств, астрологии и магии, император не скупился на коллекционирование удивительных вещиц. Кунсткамера Рудольфа II представляла внушительный список экспонатов: сосуды, кристаллы, минералы, руды, драгоценные камни, кораллы, изделия из бронзы и слоновой кости, перья колибри, чучела птиц, коллекция причудливых картин художника Арчимбольдо, а так же оранжереи с редкими растениями и райскими птицами редчайшего синего оперения.

Саверей также работал по заказам императора Рудольфа, изображая биологические курьезы. Известно, что пейзажные фоны его картин «Ноев ковчег», «Земной рай» были исполнены по зарисовкам с натуры . После смерти императора, в 1612 году он уехал в Голландию, где начал работать на заказ, исполняя картины разного формата, но приблизительно той же, природной тематики. Как видно, цветочные композиции Саверея построены по известной ранее схеме, которую использовал и Амброзиус Босхарт. Еще одним композиционным прототипом здесь могут стать гравюры художника Адриана Колларта (Adriaen Collaert), работавшего в Антверпене в 1587-1590 годах.

Свои цветы в вазе Колларт создавал как образцы для художников, ведь, как известно, к числу непременных принадлежностей художественных мастерских средних веков и раннего Возрождения относились книги образцов, содержащие рисунки-копии где-то виденных фигур, мотивов, композиционных схем. Эти рисунки стали кладовыми художественных традиций, наряду с прямым подражанием художников друг другу.

Надо отметить, что натюрморты Саверея гармоничнее по цвету, и более живописные, в сравнении со звездообразными, жесткими композициями букетов Босхарта того же периода. Возможно, эта особенность живописного метода в сочетании с реалистической точностью возникла в результате общения Саверея с лучшими художниками Европы того времени при императорском дворе. Цветы в интерпретации Саверея погружены в световоздушную среду, контуры их смягчены, пестрота колорита сгармонизирована за счет мягких переходов и светотени. При этом сохраняется схема букета в нише с чередующимися крупными и мелкими цветами и листьями. В дальнейшем творчестве Саверей продолжил развивать живописность и поэтичность жанра цветочного натюрморта.

Анатомические натюрморты Фредерика Рюйша

Frederik Ruysch's Anatomical drawings
Корнелис Хейбертс. Анатомический кабинет. Frederik Ruysch’s collection.
Frederik Ruysch's Anatomical drawings
Корнелис Хейбертс. Анатомический кабинет.

-Пошли смотреть на уродов в кунсткамеру! – вот, что чаще всего можно услышать о Санкт-Петербургском Музее антропологии и этнографии им. Петра Великого. Несмотря на то, что Кунсткамера обладает уникальной коллекцией, мы все же чаще всего вспоминаем небольшую экспозицию забальзамированных уродцев, сплющенных в изящных банках и пробирках. Этим экспонатам около четырехсот лет, они были выкуплены Петром I в Амстердаме у талантливого анатома того времени Фредерика Рюйша. Именно Рюйш создал особый рецепт бальзамирования, который позволял сохранять форму и цвет препаратов на долгое время. Об этом ученом есть замечательная статья вот здесь для тех, кто заинтересовался подробностями этого вопроса.

Мне бы хотелось, в свою очередь, добавить лишь несколько комментариев по поводу содержания и истории создания приведенных выше натюрмортов. Они были созданы гравером Корнелисом Хейбертсом в 1710 году, когда Рюйш задумал реорганизовать и описать свою коллекцию редкостей. Для этого были созданы реальные натюрморты, составленные целиком из материалов анатомических вскрытий: почечных и желчных камней (скала, постамент), брыжейка-мезентерия (тончайший платочек), наполненные воском артерии (деревья) и т.д. Рюйш часто придумывал символическую программу подобным композициям: давал имена скелетам, например, Демокрит и Гераклит, дабы отразить борьбу философских взглядов, которыми была охвачена наука в то время. Или использовал иллюстрации к известным фразам, например, из Овидия: ” Omnia sunt homini tenui pendencia filo” “Жизнь человеческая висит на шелковой ниточке” – в правой руке одного из скелетов шелковая нить, на которой висит сердце.

Если отбросить символическое содержание этих рисунков, то перед нами смешение жанров: это и nature morte, и трехмерные анатомические иллюстрации, и аллегорическая сцена типа vanitas, и, в некотором роде, жанровая сцена. Приглядитесь: герои плачут, вытирают платком то, что когда-то было лицом, играют на несуществующих музыкальных инструментах (костях), выражают эмоции – все в лучших традициях барочной картины. Схема постановочного натюрморта с изображениями фруктов, цветов и предметов, так же как иконография мифологических и аллегорических сюжетов перекочевали в композицию с изображением скелетов и анатомических штудий. Эти рисунки, так же как и заспиртованные ручки-ножки в Кунсткамере, которые Рюйш трогательно украшал изящными кружевами, манжетами и жемчугом – удивительные явления единого художественного стиля эпохи.

Не секрет, что Рюйш увлекался живописью, но использовал эти навыки для того, чтобы зафиксировать состояние препаратов в цвете. А вот его дочь Рахель (Рашель) Рюйш стала довольно успешной художницей в жанре цветочного натюрморта и продолжала традиции Яна Давидса де Хема. А всем, кто дочитал статью с анатомическими подробностями до конца – приз: прекрасный цветочный натюрморт от дочери анатома Рюйша!

Паоло Антонио Барбьери. Still life

Паоло Антонио Барбьери (Paolo Antonio Barbieri, 1603–1649) – итальянский художник, младший брат знаменитого художника Гверчино, работавший в жанре натюрморта, особенно любивший цветы и фрукты,  В книге учета заказов художника Барбьери в 1629 году был зарегистрирован заказ на создание сорока двух картин для магазина специй. А вот и одна работа из многочисленного цикла. Еще мне удалось найти ряд натюрмортов со снедью, но относились ли они к этому заказу магазина, или были самостоятельными – неясно. Все работы Барбьери объединяет композиционный прием – витринная раскладка “героев”, отсутствие кульминации, симметрия, высокий горизонт. Что касается сюжета жанровой картины, то тут следует добавить несколько слов об итальянской кухне и специях. До середины XVI века употребление пряностей остается признаком социального превосходства. И если в XIV веке были популярны специи, использовавшиеся в приготовлении мясных и рыбных блюд, то к Новому времени активизируется интерес к сладкому вкусу: кондитерские изделия в моде, и иногда просто сахар предлагается как альтернатива другим специям. Так, рецепт Венецианских специй включает в себя корицу, имбирь, мускатный орех, и гвинейский перец, а также шафран и сахар. Каждая хозяйка и сегодня сообразит, что это набор для выпечки или десертов. Разнообразные сладости мы как раз видим в картине, видимо, служившей рекламой или интерьерным оформлением магазина специй.

Паоло Антонио Барбьери
Паоло Антонио Барбьери. В магазине специй, 1637 (Pinacothèque de Spoleto)

Paolo Antonio Barbieri  Kitchen Still Life  1640
Paolo Antonio Barbieri Kitchen Still Life 1640

Paolo Antonio Barbieri  Still Life with plates 1640
Paolo Antonio Barbieri Still Life with plates 1640

_________________________________________________________________________

по материалам книги: “Итальянская кухня. История одной культуры”. Альберто Каппати, Массимо Монтанари. 2006, стр. 142