История предметного мира
Пастуро М. Зеленый. История цвета. М., 2018.
Пастуро М. Синий. История цвета. М., 2017.
Аннотация. Данные монографии являются результатом масштабного проекта французского историка Мишеля Пастуро, посвященного написанию истории цвета в западноевропейских обществах, от Древнего Рима до XVIII века. Начав с престижного синего и продолжив противоречивым черным, автор обратился к дешифровке зеленого.
Вчера был день музеев. Так совпало, что именно вчера я решила посетить выставки Русского музея.
Выставка «Виктор Борисов-Мусатов и мастера общества «Голубая роза«, продлится до 29 мая 2017 года) в залах Инженерного замка. Замечательная, камерная экспозиция умиротворяет и настраивает на поэтический лад. Помимо нежнейших, насыщенных воздухом и светом полотен Борисова-Мусатова на выставке представлены и яркие натюрморты Сапунова, и контрастные образы Сарьяна, и медитативные сцены азиатской жизни Кузнецова. А также и работы художников, чьи картины и рисунки редко встречаются в музейных и частных собраниях (И.А.Кнабе, Н.П.Феофилактов, Н.П.Рябушинский).
В Михайловском дворце, в корпусе Бенуа, до 24 июля 2017 года продлится выставка, посвященная 175-летию со дня рождения всемирно известного русского художника-баталиста Василия Васильевича Верещагина. Это по-настоящему важное событие, которое не стоит пропускать. На выставке собраны не только работы батального жанра, но и картины, зарисовки, этюды, привезенные из путешествий.
Верещагин-путешественник, внимательный, беспристрастный, иногда сдержанно-репортажный, а иногда трогательный и поэтичный — вот тот образ художника, который мне запомнился после этой выставки. Идеальная форма предметов, голов, рук, домов — доведенная до совершенства в скрупулезности изучения, до гипперреализма и фотографичности. И тут, же, рядом, лицо старухи, в котором собрано столько эмоций и историй, что, может, по яркости образов сопоставить…. с повестями Лескова, например.
Верещагин тонко предчувствует кинематографическую композицию, создавая такие ракурсы и движение, такую перспективу и свет, которые появятся позже, на экранах в движущихся картинках.
В чистом виде натюрморты и интерьеры не очень интересуют художника. Но архитектурные зарисовки, передача точности фактуры, материальность и осязательность — это все часть художественного метода Верещагина. Для картин, посвященных посещению Японии, художник разработал особый орнамент рамы.
И, наконец, еще одна выставка в корпусе Бенуа «Искусство Великого Новгорода эпохи святителя Макария«, посвященная периоду искусства Великого Новгорода первой половины – середины XVI столетия. Продлится до 31 августа 2017 года. Помимо прекрасной иконописи, в экспозиции представлен амвон. Удивительное сооружение, которое, ссылаясь на аннотацию, было собрано без клея и гвоздей искусными новгородскими резчиками, которых за мастерство называли «хитрецами». Амвон украшен раскрашенной скульптурой.
-Пошли смотреть на уродов в кунсткамеру! — вот, что чаще всего можно услышать о Санкт-Петербургском Музее антропологии и этнографии им. Петра Великого. Несмотря на то, что Кунсткамера обладает уникальной коллекцией, мы все же чаще всего вспоминаем небольшую экспозицию забальзамированных уродцев, сплющенных в изящных банках и пробирках. Этим экспонатам около четырехсот лет, они были выкуплены Петром I в Амстердаме у талантливого анатома того времени Фредерика Рюйша. Именно Рюйш создал особый рецепт бальзамирования, который позволял сохранять форму и цвет препаратов на долгое время. Об этом ученом есть замечательная статья вот здесь для тех, кто заинтересовался подробностями этого вопроса.
Мне бы хотелось, в свою очередь, добавить лишь несколько комментариев по поводу содержания и истории создания приведенных выше натюрмортов. Они были созданы гравером Корнелисом Хейбертсом в 1710 году, когда Рюйш задумал реорганизовать и описать свою коллекцию редкостей. Для этого были созданы реальные натюрморты, составленные целиком из материалов анатомических вскрытий: почечных и желчных камней (скала, постамент), брыжейка-мезентерия (тончайший платочек), наполненные воском артерии (деревья) и т.д. Рюйш часто придумывал символическую программу подобным композициям: давал имена скелетам, например, Демокрит и Гераклит, дабы отразить борьбу философских взглядов, которыми была охвачена наука в то время. Или использовал иллюстрации к известным фразам, например, из Овидия: » Omnia sunt homini tenui pendencia filo» «Жизнь человеческая висит на шелковой ниточке» — в правой руке одного из скелетов шелковая нить, на которой висит сердце.
Если отбросить символическое содержание этих рисунков, то перед нами смешение жанров: это и nature morte, и трехмерные анатомические иллюстрации, и аллегорическая сцена типа vanitas, и, в некотором роде, жанровая сцена. Приглядитесь: герои плачут, вытирают платком то, что когда-то было лицом, играют на несуществующих музыкальных инструментах (костях), выражают эмоции — все в лучших традициях барочной картины. Схема постановочного натюрморта с изображениями фруктов, цветов и предметов, так же как иконография мифологических и аллегорических сюжетов перекочевали в композицию с изображением скелетов и анатомических штудий. Эти рисунки, так же как и заспиртованные ручки-ножки в Кунсткамере, которые Рюйш трогательно украшал изящными кружевами, манжетами и жемчугом — удивительные явления единого художественного стиля эпохи.
Не секрет, что Рюйш увлекался живописью, но использовал эти навыки для того, чтобы зафиксировать состояние препаратов в цвете. А вот его дочь Рахель (Рашель) Рюйш стала довольно успешной художницей в жанре цветочного натюрморта и продолжала традиции Яна Давидса де Хема. А всем, кто дочитал статью с анатомическими подробностями до конца — приз: прекрасный цветочный натюрморт от дочери анатома Рюйша!
Размышляя о натюрморте, интерьере и изображении пространства на плоскости вообще, задаешься вопросом: как это сделано и почему выбраны именно такие средства? Прямая и обратная перспективы, выбор точки обзора и ракурса, использование архитектурных мотивов — весь этот инструментарий выразительности передает ощущение пространства в пределах картинной рамы. Наиболее интересно и разнообразно решена проблема пространства в живописи Италии и Нидерландов эпохи Возрождения. Например, очевидно сравнение двух интерьеров: Фра Беато Анжелико и Робера Кампена. О том, как трактуется пространство у этих двух мастеров и какие философские теории скрыты в этих линиях и объемах, читайте в книге А.С. Мухина.
Паоло Антонио Барбьери (Paolo Antonio Barbieri, 1603–1649) — итальянский художник, младший брат знаменитого художника Гверчино, работавший в жанре натюрморта, особенно любивший цветы и фрукты, В книге учета заказов художника Барбьери в 1629 году был зарегистрирован заказ на создание сорока двух картин для магазина специй. А вот и одна работа из многочисленного цикла. Еще мне удалось найти ряд натюрмортов со снедью, но относились ли они к этому заказу магазина, или были самостоятельными — неясно. Все работы Барбьери объединяет композиционный прием — витринная раскладка «героев», отсутствие кульминации, симметрия, высокий горизонт. Что касается сюжета жанровой картины, то тут следует добавить несколько слов об итальянской кухне и специях. До середины XVI века употребление пряностей остается признаком социального превосходства. И если в XIV веке были популярны специи, использовавшиеся в приготовлении мясных и рыбных блюд, то к Новому времени активизируется интерес к сладкому вкусу: кондитерские изделия в моде, и иногда просто сахар предлагается как альтернатива другим специям. Так, рецепт Венецианских специй включает в себя корицу, имбирь, мускатный орех, и гвинейский перец, а также шафран и сахар. Каждая хозяйка и сегодня сообразит, что это набор для выпечки или десертов. Разнообразные сладости мы как раз видим в картине, видимо, служившей рекламой или интерьерным оформлением магазина специй.
_________________________________________________________________________
по материалам книги: «Итальянская кухня. История одной культуры». Альберто Каппати, Массимо Монтанари. 2006, стр. 142
