История предметного мира — Страница 7

Архитектура и живопись. Часть I: прерафаэлиты и красный дом Морриса

Архитектура в Европе и США второй половины XIX — начала XX века насыщена новыми формами и композиционными решениями, которые подчас перекликаются с живописью того же времени.
Так, например, многими любимые прерафаэлиты — английские живописцы 1850-х годов в своих эстетических поисках обращались к поэзии, эпосу, истории далекого времени, вдохновляясь сюжетами французских и английских романов далекого средневековья. Прерафаэлиты обращались и к историческим темам, и к произведениям классической поэзии и литературы, к творчеству Данте Алигьери, Уильяма Шекспира, Джона Китса. Они идеализировали Средневековье, любили средневековую романтику и мистику.

Эдмунд Блэр Лейтон Акколада

Эдвард Бёрн-Джонс. Любовь среди руин

Интересно, что эстетика прерафаэлитизма постепенно проникает и в сферы быта, устройства дома, эстетики повседневности, образуя особое направление «Искусства и ремёсла» («Arts and Crafts Movement»). Идеология «Arts and Crafts Movement» состояло в отказе от машинного производства и возвращения средневековых ремесленных традиций.

«Артишок» обои», 1900

Архитектурным символом этого движения стал Дом Морриса, построенный английским архитектором Филипом Уэбом. «Красный дом» — воплотил черты уникальной личности своего хозяина: художника, поэта, социалиста и общественного деятеля Уильяма Морриса. В течение пяти лет хозяин с друзьями оформляли интерьеры дома. Мебель, ковры, занавеси, витражи, покрывала для кроватей.

При создании «красного дома», названном так по цвету неоштукатуренного кирпича своего фасада, Уэб с глубоким уважением относится к строительным методам и традициям местности, беря за основу образы тюдоровской готики. Как видно, далекое сказочное средневековье возродилось и в архитектуре. Несмотря на эстетизм интерьеров и экстерьеров Г-образный в плане дом был удобен для жизни и функционален. В зависимости от назначения комнат окна имели разную форму: длинные прямоугольные, небольшие квадратные и даже круглые, в некоторые из них были вставлены витражи.

Такого типа относительно компактные и дешевые домики, рассчитанные обеспечить жильцам удобство и комфорт, вскоре начали называться «английские дома». Их первым творцом стал Филипп Уэбб, вдохновленный фантазией прерафаэлитов и мастерской ремесел Морриса.

Нефертари и Долина цариц. Из коллекции Египетского музея в Турине, 16.06.2017 — 10.01.2018

Эрмитажная коллекция древнеегипетского искусства богатая, но все-таки очень уж сдержанная по цвету, если не сказать, что унылая. Приехавшая к нам в Санкт-Петербург коллекция Туринского музея предлагает иное впечатление. Конечно, это все те же саркофаги, и заупокойный культ и книги мертвых, но все же они цветные, яркие, солнечные. Предметный мир в изображениях Древнего Египта выстраивается в структуру строгой композиционной и символической ясности.

Результаты раскопок Э. Скиапарелли и его экспедции в Долине цариц (1903−1905) и в Дейр эль-Медине (1905−1908) превратили Туринский музей в одно из лучших собраний фиванских материалов и один из важнейших центров изучения египетской культуры Нового царства и Первого тысячелетия до н. э.

В основе выставки «Нефертари и Долина цариц. Из Египетского музея в Турине» − фиванские материалы, добытые Дроветти и Скиапарелли. Ключевая фигура выставки − царица Нефертари, оказывается представленной на фоне Долины цариц, где экспедиция Скиапарелли открыла ее гробницу.

Статуэтка обожествленной царицы Яхмос-Нефертари Новое царство, XVIII династия (1550–1292 гг. до н. э.) Дейр эль-Медина Дерево, роспись 38×11,5×7 см	Стела Кела XIX династия, правление Рамсеса II (1279–1213 гг. до н. э.) Дейр эль-Медина. Известняк, роспись 76×55 см
Ларец с цветочным орнаментом Новое царство, XVIII династия (1550–1292 гг. до н. э.) Происхождение неизвестно. Дерево, роспись, 30×36×36 см	Статуя Идет и Руйу Новое царство, начало XVIII династии (1480–1390 гг. до н. э.) Фиванский некрополь (?) Известняк, роспись 36×19×20 см

Изучаем историю цвета с М. Пастуро

Пастуро М. Зеленый. История цвета. М., 2018.
Пастуро М. Синий. История цвета. М., 2017.

Аннотация. Данные монографии являются результатом масштабного проекта французского историка Мишеля Пастуро, посвященного написанию истории цвета в западноевропейских обществах, от Древнего Рима до XVIII века. Начав с престижного синего и продолжив противоречивым черным, автор обратился к дешифровке зеленого.

Выставки Русского музея. Весна 2017

Вчера был день музеев. Так совпало, что именно вчера я решила посетить выставки Русского музея.

Выставка «Виктор Борисов-Мусатов и мастера общества «Голубая роза«, продлится до 29 мая 2017 года) в залах Инженерного замка. Замечательная, камерная экспозиция умиротворяет и настраивает на поэтический лад. Помимо нежнейших, насыщенных воздухом и светом полотен Борисова-Мусатова на выставке представлены и яркие натюрморты Сапунова, и контрастные образы Сарьяна, и медитативные сцены азиатской жизни Кузнецова. А также и работы художников, чьи картины и рисунки редко встречаются в музейных и частных собраниях (И.А.Кнабе, Н.П.Феофилактов, Н.П.Рябушинский).

Н.Н. Сапунов "Цветы и фафор", 1912 — Н.Н. Сапунов «Цветы и фафор», 1912

В Михайловском дворце, в корпусе Бенуа, до 24 июля 2017 года продлится выставка, посвященная 175-летию со дня рождения всемирно известного русского художника-баталиста Василия Васильевича Верещагина. Это по-настоящему важное событие, которое не стоит пропускать. На выставке собраны не только работы батального жанра, но и картины, зарисовки, этюды, привезенные из путешествий.

Верещагин-путешественник, внимательный, беспристрастный, иногда сдержанно-репортажный, а иногда трогательный и поэтичный — вот тот образ художника, который мне запомнился после этой выставки. Идеальная форма предметов, голов, рук, домов — доведенная до совершенства в скрупулезности изучения, до гипперреализма и фотографичности. И тут, же, рядом, лицо старухи, в котором собрано столько эмоций и историй, что, может, по яркости образов сопоставить…. с повестями Лескова, например.

Верещагин тонко предчувствует кинематографическую композицию, создавая такие ракурсы и движение, такую перспективу и свет, которые появятся позже, на экранах в движущихся картинках.

В чистом виде натюрморты и интерьеры не очень интересуют художника. Но архитектурные зарисовки, передача точности фактуры, материальность и осязательность — это все часть художественного метода Верещагина. Для картин, посвященных посещению Японии, художник разработал особый орнамент рамы.

Внутренний вид церкви Иоанна Богослова на Ишне близ Ростова Ярославского

И, наконец, еще одна выставка в корпусе Бенуа «Искусство Великого Новгорода эпохи святителя Макария«, посвященная периоду искусства Великого Новгорода первой половины – середины XVI столетия. Продлится до 31 августа 2017 года. Помимо прекрасной иконописи, в экспозиции представлен амвон. Удивительное сооружение, которое, ссылаясь на аннотацию, было собрано без клея и гвоздей искусными новгородскими резчиками, которых за мастерство называли «хитрецами». Амвон украшен раскрашенной скульптурой.

Деревянный Амвон 1533 года из собора Святой Софии Великого Новгорода (высота - 300 см, окружность 600 см) — Деревянный Амвон 1533 года из собора Святой Софии Великого Новгорода (высота — 300 см, окружность 600 см)

Деревянный Амвон 1533 года из собора Святой Софии Великого Новгорода (деталь)

Анатомические натюрморты Фредерика Рюйша

Frederik Ruysch's Anatomical drawings — Корнелис Хейбертс. Анатомический кабинет. Frederik Ruysch’s collection.

-Пошли смотреть на уродов в кунсткамеру! — вот, что чаще всего можно услышать о Санкт-Петербургском Музее антропологии и этнографии им. Петра Великого. Несмотря на то, что Кунсткамера обладает уникальной коллекцией, мы все же чаще всего вспоминаем небольшую экспозицию забальзамированных уродцев, сплющенных в изящных банках и пробирках. Этим экспонатам около четырехсот лет, они были выкуплены Петром I в Амстердаме у талантливого анатома того времени Фредерика Рюйша. Именно Рюйш создал особый рецепт бальзамирования, который позволял сохранять форму и цвет препаратов на долгое время. Об этом ученом есть замечательная статья вот здесь для тех, кто заинтересовался подробностями этого вопроса.

Мне бы хотелось, в свою очередь, добавить лишь несколько комментариев по поводу содержания и истории создания приведенных выше натюрмортов. Они были созданы гравером Корнелисом Хейбертсом в 1710 году, когда Рюйш задумал реорганизовать и описать свою коллекцию редкостей. Для этого были созданы реальные натюрморты, составленные целиком из материалов анатомических вскрытий: почечных и желчных камней (скала, постамент), брыжейка-мезентерия (тончайший платочек), наполненные воском артерии (деревья) и т.д. Рюйш часто придумывал символическую программу подобным композициям: давал имена скелетам, например, Демокрит и Гераклит, дабы отразить борьбу философских взглядов, которыми была охвачена наука в то время. Или использовал иллюстрации к известным фразам, например, из Овидия: » Omnia sunt homini tenui pendencia filo» «Жизнь человеческая висит на шелковой ниточке» — в правой руке одного из скелетов шелковая нить, на которой висит сердце.

Если отбросить символическое содержание этих рисунков, то перед нами смешение жанров: это и nature morte, и трехмерные анатомические иллюстрации, и аллегорическая сцена типа vanitas, и, в некотором роде, жанровая сцена. Приглядитесь: герои плачут, вытирают платком то, что когда-то было лицом, играют на несуществующих музыкальных инструментах (костях), выражают эмоции — все в лучших традициях барочной картины. Схема постановочного натюрморта с изображениями фруктов, цветов и предметов, так же как иконография мифологических и аллегорических сюжетов перекочевали в композицию с изображением скелетов и анатомических штудий. Эти рисунки, так же как и заспиртованные ручки-ножки в Кунсткамере, которые Рюйш трогательно украшал изящными кружевами, манжетами и жемчугом — удивительные явления единого художественного стиля эпохи.

Не секрет, что Рюйш увлекался живописью, но использовал эти навыки для того, чтобы зафиксировать состояние препаратов в цвете. А вот его дочь Рахель (Рашель) Рюйш стала довольно успешной художницей в жанре цветочного натюрморта и продолжала традиции Яна Давидса де Хема. А всем, кто дочитал статью с анатомическими подробностями до конца — приз: прекрасный цветочный натюрморт от дочери анатома Рюйша!

Rachel Ruysch (1664 – 1750), Flower Still Life, 1726, Toledo Museum of Art, Toledo
Рахель Рюйш. Цветочный букет. 1708
Рахель Рюйш. Натюрморт с цветами и бабочками, ок. 1700