Петру Ремус Тротеану (Petru Remus Troteanu 1885-1957) — румынский художник первой половины XX века. Был профессором Академии изящных искусств в Яссах, участвовал в росписях церквей, работал в жанрах пейзажа, натюрморта, жанровых сцен, портрета и религиозной живописи.
Греческий художник Теофраст Триантафиллидис (Theofrastos Triantafyllidis) родился в семье зажиточного торговца, и потому его выбор в пользу занятий живописью не был ограничен потребностью заработать себе на жизнь. Он родился в Смирне в 1881 году, учился в Афинской Академии живописи. Но малоазийская катастрофа 1922 года перевернула жизнь художника: его родной город сгорел, семья бежала в поисках нового дома. В дальнейшем жизнь художника была наполнена испытаниями: болезнь и ранняя смерть любимой жены, бедность, сгоревшая мастерская. В 1954 году Теофраст серьезно заболел и в 1955 скончался в клинике для бедных, в Афинах. Спустя много десятилетий искусствовед А. Котидис обнаружил и изучил около 200 работ художника, разбросанных по разным коллекциям и в 2002 году написал первую и единственную монографию о художнике.
Теофраст Триантафилидис обращался к повседневной жизни людей, но назвать эти сцены жанром, трудно, слишком уж они обобщены. Лица людей, как правило, стерты, фигуры почти абстрактны. Предметы в натюрмортах погружены в дымку, то появляющиеся, то исчезающие в атмосфере воздуха, а может, сна. Времени нет. Движения тоже нет. Только созерцание жизни.
Многие картины нуждаются в серьезной реставрации. Это связано, как с живописным методом художника, так и с неудачными условиями хранения. Сейчас интерес к живописи Триантафиллидиса, судя по аукционной активности, возрос. Не присоединившись ни к одной группе художников, не назвав себя, ни импрессионистом, ни экспрессионистом, он говорил, что «те, у кого нет власти стать творцом, принадлежат школам». Индивидуальность выразительных средств и одновременно тонкое чувствование настроений времени делает живопись этого греческого художника, действительно, очень интересной
Форель ныряет в свой поток,
Как будто солнца лепесток,
Дрожит душа форели,
Не чувствуя иной среды,
Сияя на лице воды
И не нуждаясь в теле.
Ты также в комнату нырнёшь,
И сна невидимая ложь
В глазах непробуждённых
Ещё играет и сквозит,
А тень твоя ещё скользит
Среди видений сонных.
Будь это горы или лес,
Не принимая плотский вес,
Она ещё резвится,
И некому тебя толкнуть,
Чтоб в явь привычную вернуть,
А сну остановиться.
Душа форели и твоя,
Играя с тайной бытия,
Ещё не понимает,
Как сладок сон, как жизнь горька,
Как скоро памяти река
В беспамятство впадает.
(Рыба и тень. Из «Песен» Эзры Паунда. Поэтический перевод Григория Хубулавы)
Сэмюэл Джон Пепло (Samuel John Peploe, 1871 — 1935) — шотландский художник, постимпрессионист, создавший ряд интереснейших пейзажей и натюрмортов. Пепло смело экспериментирует с масляной живописью, слвмещая технику импасто с почти пленэрным отношением к цвету. Локальные цвета насыщаются рефлексами, складываясь к образ единой цветовой среды. В натюрмортах Пепло заметны разные средства выразительности: от почти акварельной тонкости до витражных контуров, упрощающих форму, приводящих ее к простой геометрии. В работах Пепло заметно влияние французской школы — Эдуарда Мане и Поля Сезанна, а также художник общается с шотландскими коллегами — Фрэнсисом Каделлом, Джорджом Хантером, Джоном Дункан Фергюссоном, объединенными в группу «Шотландских Колористов».
Так говорил Пабло Пикассо о своих натюрмортах. Сегодня я поработаю переводчиком, и переведу на русский вот эту англоязычный статью. Вообще, здесь на christies собрано немало прекрасных искусствоведческих обзоров.
Все проявления жизни, будь трагедии и радости, обыденная повседневность и великая любовь, дети, люди, места и события, сформировавшие художника — питали его ненасытную потребность творить. Можно сказать, что каждая картина Пикассо глубоко автобиографична и несёт в себе отражение времени, эмоций и умонастроений живописца. Портрет, созданный художником никогда не изображает стаффажного человека (иначе это не портрет -О.К.), также и натюрморт никогда не будет представлять зрителю бессмысленный набор предметов.
Натюрморт для Пикассо был страстью. Джон Ричардсон говорит, что именно этот жанр Пикассо «исследует исчерпывающе и развивает его наиболее глубоко, как никакой другой художник в истории живописи».
В начале XX века Пабло Пикассо и его товарищ по кубизму Жорж Брак сосредоточили свои радикальные живописные эксперименты на натюрморте. Обращаясь к особенностям зрительного восприятия и устройству визуального воспроизведения, они рисовали и создавали красочные картины того, что определяло их мир: очки, гитары, тарелки с фруктами и бутылки с алкоголем…
Все предметы были представлены в композиции картин совершенно по-новому, Пикассо и Брак обратились к новой художественной выразительности, составляя фрагменты сплющенных плоскостей в разных ракурсах и с разных точек зрения в единую композицию.
Теперь натюрморт уже никогда не будет прежним, и кубистический язык Пикассо станет определять его искусство до конца его дней.
В начале 30-х годов новая любовь стремительно изменила всё искусство Пикассо, и не в последнюю очередь его натюрморты. В 1927 году, будучи женатым, он встретил молодую Марию-Терезу и без памяти влюбился. Их отношения долгое время оставались в тайне. Сладостные изгибы, сияние и жизненные силы своей новой музы художник воплощает в композиции с чувственным кувшином, посудой, волнистыми кусочками фруктов. Никогда прежде его натюрморты не были наполнены таким эротизмом, едва скрываемым желанием и волнением.
Натюрморт «La cafetièr» был написан в 1943 году и, очевидно, стал подарком светловолосой Марии-Терезе и их маленькой дочери Майе, которые жили в доме на бульваре Анри IV в Париже.
Но не все натюрморты Пикассо военного времени столь чувственны и полноцветны. Большая часть композиций этого периода отличается напряжением и строгостью. Работая в своей парижской студии на улице Великих Августинцев, Пикассо изображает разнообразную еду, предметы повседневного быта, свечи и черепа — всё это описывает не только жизнь оккупированного города, но и символизирует аллегорию войны и человеческой печали.
Власть нацистов объявила искусство Пикассо (как и некоторых других живописцев — О.К.) дегенеративным и запретила участвовать в выставках. Именно поэтому художник уединяется в своей мастерской и сосредотачивает внимание на предметном мире, а натюрморт становится основным жанром его творчества военного периода.
Окончание войны наполнили живопись Пикассо светом, цветом и радостью жизни. Живя на юге Франции со своей новой любовью, Франсуазой Жило, художник начинает смотреть на мир глазами своих детей: Клода и Паломы. Но к 1951 году отношения с Франсуазой начали давать трещины, и художник всё больше времени стал проводить в Париже, наслаждаясь тайными свиданиями с новой любовницей Женевьевой Лапорт.
Созданный в 1953 году натюрморт с цветком в горшке, может отсылать зрителя к творчеству другого художника, современника и соперника Пикассо — Анри Матисса. Эта напряжённая сцена в интерьере приоткрывает и тайны души художника, его внутреннее смятение, ведь именно в это время Франсуаза с детьми навсегда покидает его и возвращается в Париж. Одинокое растение можно рассматривать в автобиографическом контексте. Во время своего второго визита в студию Пикассо Франсуаза Жило принесла ему в подарок цветы, прекрасно подходившие в тон её одежды. Именно с тех пор образ Жило смешался в сознании художника с образами цветов и растений. Эта аналогия стала определяющей для Жило в живописи Пикассо.
После ухода Франсуазы и появления в жизни Пикассо новой возлюбленной, Жаклин Рок, которая станет его последней женой и верной спутницей жизни, художник ищет вдохновения в искусстве прошлого, и снова обращается к натюрморту.
Натюрморт с собакой рассказывает нам не только об идиллической частной жизни Пикассо в его последнем доме Notre-Dame-de-Vie на холмах Мужена, но и обобщает основные темы и стилистические качества его живописи, позднего большого периода его творчества. На этой шутливой по настроению картине изображён Кабул, любимая афганская борзая Пикассо. Собака пережила своего хозяина, оставаясь в Notre-Dame-de-Vie с Жаклин до самой смерти, до 1975 года.
Этот натюрморт был написан 22 октября 1962 года, всего за несколько дней до празднования Пикассо своего 81 дня рождения. На протяжении 1962 года он исследовал творчество таких мастеров французской живописи как Эдуард Мане, Жан-Симеон Шарден, Никола Пуссен, Жак-Луи Давид. Истоки композиции этого натюрморта можно найти в луврской картине Шардена 1728 года.
Пикассо оглядывается назад, смотрит на творчество своих художественных предшественников, чтобы сохранить своё наследие. В то время как абстракция, минимализм и поп-арт безраздельно правили искусством, Пабло вновь демонстративно обходит мейнстрим в живописи, выбирая свой путь.
Леон Биджу (Leon Biju, 1880-1970) — интереснейший румынский художник, о биографии и творческом наследии которого в России известно немного. Леон родился в Бухаресте, там же, в национальной школе изобразительных искусств он начал своё обучение живописи. В 1906 году Биджу уезжает в Германию, а затем и в Париж, где знакомится с французским академическим искусством и стажируется в школе Рудольфо Жулиана. В 1909-11 годах вместе с художником Жан-Полем Лораном Биджу путешествует по экзотическим странам, посещает Марокко и Алжир. Начало второй балканской войны, а затем и первой мировой — заставили Биджу вернуться на родину и принять участие в боевых действиях. После войны Биджу возвращается к занятиям живописью, участвует в выставках, путешествует по Италии, а уже в 1929-33 годах он на четыре года уезжает в Египет, откуда привозит многочисленные рисунки и живописные работы, выставляя их на своей персональной выставке в 1934 году.
Помимо этнографических зарисовок, пейзажей и сцен повседневной жизни Биджу был автором цветочных натюрмортов — невероятно свежих, изысканных по колориту, наполненных мягким светом и будто погруженных в дымку влажного тумана.
