Русский натюрморт

Category Archive Русский натюрморт

Спящая царевна говорит. Или о русском стиле, веретене и обрядах перехода

У лукоморья дуб зеленый;
Златая цепь на дубе том:
И днем и ночью кот ученый
Всё ходит по цепи кругом;
Идет направо — песнь заводит,
Налево — сказку говорит.

На днях я была в Мариинском театре, на опере М.И. Глинки «Руслан и Людмила». По изящному, даже рафинированному бельканто — волне себе итальянская опера, но костюмы и декорации воссозданы те самые: Александра Головина и Константина Коровина постановки 1904 года — русские и сказочные одновременно.

Яркие, расшитые золотом, клюквенно-красные, лазорево-синие, травянисто-зеленые, с жемчугами и драгоценными камнями, тяжелой парчой и невесомым шёлком — краски этой сценической картины напомнили мне живопись самого сказочного русского художника — Виктора Васнецова (1848 -1926), жившего на рубеже XIX-XX веков, в период возрождения интереса к древней Руси,  поиска того самого, искомого, «нашего-родного».

Одна из моих любимых картин-иллюстраций Васнецова — это «Спящая царевна».

Спящая царевна, холст, масло, 1921

Ох, сколько же было потрачено моих часов детства, чтоб разглядеть все подробности этой картины! Царевна-красавица спит беспробудным сном, но картина эта неспешно, по-былинному нараспев повествует.

Художник изображает красивый деревянный дворец, окруженный страшным дремучим лесом — неизведанным, опасным, тёмным-холодным-сырым, как начало мироздания. А если приглядеться, то справа можно увидеть палку с намотанным чёрным плащом и черепом козла… А там в глубине, может, и дракон-змей, и упаси Боже — Баба-Яга! Страшно!…

Добрыня Никитич и змей. 1918 год

Баба-Яга, 1917 года… рождения!

Во дворце, несмотря на печальную застылость, уютно и тепло. Царевна, все её слуги, придворные, музыканты, и даже звери погружены в глубокий сон. В этом изображении соединилось сразу два сюжета: «Спящая царевна» В.А. Жуковского и «Спящая красавица» Ш. Перро. Но Васнецов наделяет сказку русскими мотивами, делая её, нашей, народной. Какими дивными узорами покрыт роскошный, парчовый сарафан царевны, костюмы её подруг, скоморохов. Орнамент вьётся и по деревянным стенам, и по резным колонкам, и по ножкам своеобразного ложа, на котором царевна сидела, а потом и заснула, уколовшись веретеном.

На шестнадцатом году
Повстречаешь ты беду;
В этом возрасте своем
Руку ты веретеном
Оцарапаешь, мой свет,
И умрешь во цвете лет!

Кстати, о веретене. Прядение — рукоделие совершенно забытое, ненужное в современном фабричном мире. Взяв как-то в руки русское веретено (то, самое, что изящно упало рядом с маками и парчовой туфелькой царевны), я долго не могла понять, обо что там можно было уколоться! Оказывается, веретено запускали на полу, как юлу, оно кружилось, наматывая нить, и постепенно отёсывалось, образуя острый кончик. Веретено долго не служило, стачиваясь за несколько месяцев, как обычный деревянный карандаш.

Царевн у Васнецова довольно много, вот и буйный танец царевны-Лягушки, или бесконечное одиночество и потерянность царевны-Несмеяны, которой свет не мил. Но все они погружены в теремной интерьер, подробности которого очень интересны.

Царевна-лягушка

Царевна-несмеяна

Но вернёмся к спящей царевне. Фасады терема напоминают дворец Алексея Михайловича в Коломне, построенный в XVII веке: разноцветие, отсутствие симметрии, а отсюда и живописность, «чешуя» кровли, кокошнико-образное перекрытие крыш. Это не придуманный древнерусский мир «Владимира и Рогнеды» (1770 год) академического А. Лосенко и не идеальные крестьянки Венецианова начала XIX века. Васнецов опирается на подлинную иконографию русского быта и мировоззрения. На древне-пузатых, почти что кносских алых колонах мы видим странные капители: лики царевны и царевича — намёк на прерванную свадьбу.

Интересно, что мотив прерывания свадьбы или помолвки встречается довольно часто в русских сказках: уже упомянутый сюжет «Руслана и Людмилы», «Царская невеста» (и опера Римского-Корсакова и драма Льва Мея), «Сказка о мёртвой царевне и семи богатырях», ну и «Спящая красавица». Свадьба — обряд перехода в иное качество, когда человек становится беззащитным перед чарами злых духов, колдунов, всякой нечисти, желающей поживиться силами молодых душ. Наверное, поэтому  в русском традиционном обществе было столько специальных заговоров, сложных ритуалов, защищающих амулетов для предотвращения такого вот поворота к вечному сну, к смерти то есть.

Неспроста я углубляюсь во все эти подробности русской традиционной культуры, рассказывая о Васнецове и его «Спящей царевне», ведь рефлексия художников и музыкантов рубежа веков, ищущих русские подлинные мотивы (А.П. Рябушкин, В.Г. Шварц, К. Коровин, А. Головин, К. Тон, Ропет, М. Мусоргский, А. Бородин) привела их к древнерусской истории, былинам, сказкам и легендам. Но кроме того, и к языческому восприятию мира, где так и не прижилось рациональное христианство, а напрочь слилось оно с верой в водяных, кикимор, домовых, с верой в сглаз и порчу, с приворотным зельем, в оберегами от злых духов и сбывающимися предсказаниями…

Если А.С. Пушкин — создатель энциклопедии русской жизни, в некотором роде, автор нашего детства, где с младенческих времён через сказки мы узнаём о прекрасном и безобразном, о любви и разлуке, о подвигах и славе, о жизни и смерти, то Васнецов — без сомнения, сумел сформулировать зрительные образы русских сказок, сделав их запоминающимися и понятными. Его «Витязь на распутье», «Три богатыря», «Алёнушка» — своеобразный импринтинг русскости и визуальный символ национального определения.

Ну, а если взглянуть немного шире. Насколько культурно-исторические поиски «русского стиля» начала XX века перекликаются с тем, что происходит в Европе? Вполне! Давайте обратимся к прекрасным картинами английских прерафаэлитов, которые взяли курс на иллюстрацию сказок и артуровского цикла. Джон Кольер в 1921 году пишет свою незабываемую «Спящую красавицу». Но, согласитесь, это уже совсем другая история, и эта картина тоже весьма многословна!

Джон Кольер. Спящая красавица. 1921
Холст, масло. 111,7 × 142,2
__________________________________________

https://www.mariinsky.ru/playbill/playbill/2012/10/27/1_1800

Королева С. Виктор Михайлович Васнецов (1848-1926), том 30 «Комсомольская правда», М.: 2010

 

Tags, , ,

Крестьянки-Богини в творчестве Зинаиды Серебряковой

«…А сами немцы ходят богато,
И жён нарядно водят,
И взаперти не держат, как у нас…» —

Так пел в своем ариозо Иван Лыков, герой оперы Н.А. Римского-Корсакова «Царская невеста». Действие происходит в XVI веке, Лыков приехал из-за границы, и рассказывает друзьям, какие прогрессивные эти самые немцы, и как у них все необычно, непривычно, чисто и красиво, и даже женщины у них более свободные. И, действительно, женщины в Европе могли немного больше, чем в России (но и сжигали их чаще!..). Недавно я писала небольшой обзор о творчестве европейских женщинах-художницах. И это далеко не весь список!

В России патриархальный строй, при котором женщина должна быть домохозяйкой и хранительницей очага, не позволял ей профессионально заниматься искусствами, и только в XX веке приоритеты в обществе и семье изменились. Женщина добилась равноправия и возможности заниматься любым делом. Правда, иногда задумываешься, какой дорогой ценой!.. Мне бы хотелось рассказать об одной моей любимой художнице «Серебряного века» — Зинаиде Серебряковой, творчество которой обращается к славным образам детей, повседневного мира, быта, портретов близких, а также к миру крестьянской жизни, обобщая её до монументальных образов.

З.Е. Серебрякова. За завтраком, 1914

Зинаида Евгеньевна Серебрякова (1884-1967), известный живописец, дочь Е.А. Лансере. С именем З. Серебряковой ассоциируются её многочисленные портреты и автопортреты, разнообразные по стилю, колориту, настроению, однако, всегда живые, открытые в своем восприятии мира. Творческая судьба этой художницы неотделима от жизни семьи: мужа, детей, имения в с. Нескучное Курской области. Но мне очень нравится другая тема в живописи Зинаиды Евгеньевны — это работающая на земле женщина-крестьянка.

З.Е. Серебрякова. «Беление холста», 1917

Композиция в картине «Беление холста» построена по типу монументальных росписей. Ощущение монументализации возникает, прежде всего, благодаря приёму вынесения фигур девушек на первый план, ракурсу снизу вверх, формированию крупных, монолитных форм, чистому цвету и равномерному освещению. Полотно образует своеобразный триптих, если мысленно разделить его на вертикальные части. Мы видим скульптурные формы античности и передачу световоздушной среды, матовость «темперного» колорита итальянских мастеров эпохи Возрождения.

З.Е. Серебрякова. Спящая крестьянка, 1917

Возвращаясь к «Белению холста», посмотрим на картину подробнее. Крестьянка справа стоит в свободной позе «контрапосто», этот термин античной скульптуры упоминается не случайно, Серебрякова некоторое время была в Италии, копировала произведения античности, образы крестьянок настолько объёмно вылеплены в пространстве картины, что возможно сравнение со скульптурой.

Крестьянка. Этюд к картине «Беление холста», 1916

Работа над колоритом у Серебряковой основана на принципах пленэрной живописи: передача света, объёма, рельефа, а также особый несколько приглушённый «фресковый» колорит. Цвет, также как и композиция в данной картине направлен на создание масштабного изображения, эффекта монументальных росписей. Главным изобразительным средством в картине является освещение. Основной поток света уходящего за горизонт солнца заслоняют девушки. Кульминация света скрыта от зрителя почти чёрным сарафаном крестьянки.

З.Е. Серебрякова, эскиз картины «Беление холста», 1916-17 г.

В дальнейшем (1934-35 г) найденные приёмы передачи монументальности Зинаида Евгеньевна использовала во время работы над аллегорическими фигурами в доме барона Брауэра: «Времена года», «Флора», «Правосудие», но эти работы не сохранились, остались лишь подготовительные эскизы.

З.Е. Серебрякова. Юриспруденция. 1936-37 г.

После окончания работ над панно Зинаида Серебрякова послала фотографии произведений своему брату, Евгению Лансере. В ответном письме Лансере так отозвался о работе талантливой сестры: «Самою складною мне кажется „Юриспруденция“. Это панно особенно нарядно и богато заполнено. При своей простоте, скупости, так сказать, украшений, атрибутов. Завидую тебе, что ты так просто, так гибко, широко и законченно умеешь передавать тело».

Серебрякова в своей работе «Беление холста» во многом предчувствовала, а может, и являлась основательницей нового живописного идеала женщин, который потом подхватили художники соцреализма. Её крестьянки – это уже не Венециановские музы, картинно сидящие на фоне знойной жатвы, — они самостоятельны, красивы своей настоящей мощной физической красотой, совершенством тела, чёткостью, уверенностью движений. И, может быть, лучше всего об этом образе женщине написал Н.А. Некрасов свои бессмертные строки:

Есть женщины в русских селеньях
С спокойною важностью лиц,
С красивою силой в движеньях,
С походкой, со взглядом цариц,—

Их разве слепой не заметит,
А зрячий о них говорит:
«Пройдет — словно солнце осветит!
Посмотрит — рублем подарит!»

Tags, , ,

Выставки Русского музея. Весна 2017

Вчера был день музеев. Так совпало, что именно вчера я решила посетить выставки Русского музея.

Выставка «Виктор Борисов-Мусатов и мастера общества «Голубая роза«, продлится до 29 мая 2017 года) в залах Инженерного замка. Замечательная, камерная экспозиция умиротворяет и настраивает на поэтический лад. Помимо нежнейших, насыщенных воздухом и светом полотен Борисова-Мусатова на выставке представлены и яркие натюрморты Сапунова, и контрастные образы Сарьяна, и медитативные сцены азиатской жизни Кузнецова. А также и работы художников, чьи картины и рисунки редко встречаются в музейных и частных собраниях (И.А.Кнабе, Н.П.Феофилактов, Н.П.Рябушинский).

Н.Н. Сапунов "Цветы и фафор", 1912

Н.Н. Сапунов «Цветы и фафор», 1912 

В Михайловском дворце, в корпусе Бенуа, до 24 июля 2017 года продлится выставка, посвященная 175-летию со дня рождения всемирно известного русского художника-баталиста Василия Васильевича Верещагина. Это по-настоящему важное событие, которое не стоит пропускать. На выставке собраны не только работы батального жанра, но и картины, зарисовки, этюды, привезенные из путешествий.

Верещагин-путешественник, внимательный, беспристрастный, иногда сдержанно-репортажный, а иногда трогательный и поэтичный — вот тот образ художника, который мне запомнился после этой выставки. Идеальная форма предметов, голов, рук, домов — доведенная до совершенства в скрупулезности изучения, до гипперреализма и фотографичности. И тут, же, рядом, лицо старухи, в котором собрано столько эмоций и историй, что, может, по яркости образов сопоставить…. с повестями Лескова, например.

Верещагин тонко предчувствует кинематографическую композицию, создавая такие ракурсы и движение, такую перспективу и свет, которые появятся позже, на экранах в движущихся картинках.

В чистом виде натюрморты и интерьеры не очень интересуют художника. Но архитектурные зарисовки, передача точности фактуры, материальность и осязательность — это все часть художественного метода Верещагина. Для картин, посвященных посещению Японии, художник разработал особый орнамент рамы.

Внутренний вид церкви Иоанна Богослова на Ишне близ Ростова Ярославского

Внутренний вид церкви Иоанна Богослова на Ишне близ Ростова Ярославского

В. Верещагин. Храм в Токио

В. Верещагин. Храм в Токио

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

И, наконец, еще одна выставка в корпусе Бенуа «Искусство Великого Новгорода эпохи святителя Макария«, посвященная периоду искусства Великого Новгорода первой половины – середины XVI столетия. Продлится до 31 августа 2017 года. Помимо прекрасной иконописи, в экспозиции представлен амвон. Удивительное сооружение, которое, ссылаясь на аннотацию, было собрано без клея и гвоздей искусными новгородскими резчиками, которых за мастерство называли «хитрецами». Амвон украшен раскрашенной скульптурой.

Деревянный Амвон 1533 года из собора Святой Софии Великого Новгорода (высота - 300 см, окружность 600 см)

Деревянный Амвон 1533 года из собора Святой Софии Великого Новгорода (высота — 300 см, окружность 600 см)

Деревянный Амвон 1533 года из собора Святой Софии Великого Новгорода (деталь)

Деревянный Амвон 1533 года из собора Святой Софии Великого Новгорода (деталь)

Константин Коровин. Выставка в Русском музее.

К.Коровин. На берегу моря. 1910 год

К.Коровин. На берегу моря. 1910 год

В Русском музее открылась выставка (10 августа — 08 ноября 2011), посвященная 150-летию со дня рождения Константина Коровина (1861-1939). Этот натюрморт с розами представлен в экспозиции. И, если бы я не была не видела его в оригинале, то, наверное, написала бы большую историю его создания и определила его место в контексте истории искусств. Но, поверьте, после знакомства с подлинниками, восторг и удивление переполняют сердце, и больше всего хочется петь и танцевать. Есть ощущение, что рассказывать о живописи Коровина, пусть и в рамках натюрморта — бесполезное занятие. Надо просто идти на выставку и получать живой опыт общения с шедеврами. Вы увидите воздух, почувствуете морские брызги, ощутите соленый вкус на губах, аромат роз и крики чаек. Гениальная и вместе с тем простая композиция раскрывается в бесконечную историю, детали которой меняются в зависимости от ракурса и расстояния. Художник предлагает вам мыслить красками. Это увлекательная игра, рождающая новый взгляд на мир.

На эту выставку хорошо бы прийти не один раз. С друзьями, детьми, любимыми, в одиночестве, в солнце и в дождь, уставшими и полными сил. Вы получите бесценный опыт общения с живописью. И с самим собой. Желаю откровений и открытий!

Книга Раисы Кирсановой «П.А. Федотов. Комментарии к живописному тексту».


Предлагаю сегодня вам познакомиться с очень интересной книгой Раисы Кирсановой о творчестве П.А. Федотова (М.: НЛО, 2006). Каким образом эта книга связана с натюрмортом? Напрямую. Дело в том, что автор описывает предметный ряд каждой картины с точки зрения истории костюма, мебели, орденов и всех предметов, которые художник вводит в свои работы. В качестве анализа не случайно были выбраны работы П. Федотова, ведь именно этот художник добивался максимальной точности в изображении предметов и фактур материала. В его работах отразилась материальная жизнь российских сословий того времени.

Р. Кирсанова обращает внимание на время года, время действия (день-вечер-ночь) день недели, на дурные привычки хозяев, бороды и усы, утварь и цвет обоев. Эти комментарии к тексту — бесценный материал для историков русской моды и быта первой половины XIX века. Вот например, описание комнаты в картине «Не в пору гость» или «Завтрак аристократа»: «Из меблировки модными деталями на время написания картины можно считать ковер, дорогую лампу и кресло. Остальные вещи по стилю либо более раннего времени, либо используются не по назначению, как этажерка, например, стоящая по правую сторону от стола. Этот тип мебели с открытыми полками получил широкое распространение с самого начала XIX века. В мужских кабинетах этажерка чаще служила для книг; в дамских и гостиных — употреблялась как горка». (стр. 108)

Кроме исторических и бытовых трактовок вещей рассматриваются и их художественные функции: влияние на колорит и композицию. Но, как выясняется, часто цветовое решение картины отражало не только художественный замысел автора, но и моду тех лет: «Частое использование зеленого или зеленоватого цвета стен у Федотова — скорее всего лишь дань господствовавшей моде на оттенки этого цвета. Врачи советовали давать отдых глазам с помощью рассматривания предметов зеленого цвета — стеклянных пирамидок, пользоваться защитными очками с зелеными стеклами; переходить со свечного освещения на новые механические лампы, получивших название карсельских по имени своего создателя. Такая стоит на столе молодого человека, и стеклянный колпак ее покрыт «сквозистым» штучным кружевом голубоватого оттенка». (стр. 112)

Рекомендуем почитать!