Натюрморт XVII века

Category Archive Натюрморт XVII века

Аллегория времени в натюрмортах Геррита Доу.

Геррит Доу. Натюрморт с подсвечником и карманными часами.м

Геррит Доу. Натюрморт с подсвечником и карманными часами.

Этот натюрморт Геррита Доу создан по излюбленной автором схеме: предметы скомпонованы в полукруглой нише, рядом деликатно отодвинута занавеска. Набор предметов, если так можно выразиться, стандартный для голландского натюрморта XVII века — часы, книга, потухшая свеча, табак, трубка, песочные и карманные часы — символы vanitas, бренности всего сущего. Хотя мне всегда хотелось назвать этот натюрморт «Символ времени», потому что именно эта метафора представленна здесь трижды: в виде карманных и песочных часов и в виде потухшей свечи.

Геррит Доу. Натюрморт, 1647

Геррит Доу. Натюрморт с песочными часами.

В этом натюрморте Доу на первом плане изображает пенал и гравюру, но песочные часы выведены из тени, тут они представлены во всей красе, а время в них струится тонкой струйкой… Набор предметов можно по-разному интерпретировать, но мне кажется, что в этих натюрмортах наиболее выразительно выражена аллегория быстротечности времени. Итальянский поэт Чиро ди Перс, современник Доу написал мудрое стихотворение на эту тему, которое явилось своеобразное иллюстрацией представленных сегодня натюрмортов:

Ещё одно мгновенье истекло,
В песчинках — роковая сила:
Она мой день на доли поделила,
Всё меньше в верхней склянке их число.

Песок течёт сквозь узкое жерло,
Вот склянка — колыбель, а вот — могила;
Правдиво нашу долю отразило,
Наш век недолгий хрупкое стекло.

В часах водою пользовались греки,
Однако с неких пор песчаный ток
Напоминает нам о кратком веке.

Вода, песчаной струйки волосок…
Часы — от века в каждом человеке:
Жизнь — слёзы, после жизни — прах, песок.

(перевод стихотворения Е. Солоновича)

Почему голландцев называют «малыми»?

Ян Вермеер Делфтский. Вид Делфта, 1660 г.

Ян Вермеер Делфтский. Вид Делфта, 1660 г.

XVII век явил миру две художественные школы — голландскую и фламандскую. Обе были наследницами художественных традиций Нидерландов — европейской страны, на части территории которой к тому времени образовалась католическая Фландрия, названная так по имени самой значимой провинции (на сегодняшний день это территория Бельгии и Франции). Другие провинции, отстояв свою приверженность идеям реформации, объединились и стали именоваться Голландской республикой или просто Голландией. В XVII веке в Голландии примерно три четверти населения было городским, основным сословием считалось среднее. Реформаторская церковь отказалась от великолепия декора, не было коронованных заказчиков и родовой аристократии, а это значит, что представители буржуазии стали основными потребителями искусства. Пространство, предназначенное для живописи, ограничилось домами бюргеров и общественными зданиями. Размеры картин, как правило, были не велики (по сравнению с дворцовой живописью или алтарными композициями для церквей), а сюжеты имели камерный характер, изображали сцены частной, повседневной жизни. Именно поэтому голландских мастеров XVII века (за исключением Рембрандта и Халса) назвали «малыми голландцами». Большинство художников находило темы для своих картин в пределах родной страны, следуя совету Рембрандта: «Учись прежде всего следовать богатой природе и отображать прежде всего то, что ты найдешь в ней. Небо, земля, море, животные, добрые и злые люди — все служит для нашего упражнения. Равнины, холмы, ручьи и деревья дают достаточно работы художнику. Города, рынки, церкви и тысячи природных богатств взывают к нам и говорят: иди, жаждущий знания, созерцай нас и воспроизводи нас». Продуктивность художников достигала невероятных размеров, как следствие, в среде живописцев возникала конкуренция, которая в свою очередь приводила к специализации мастеров. И, возможно, из-за этого произошла многообразная дифференциация по жанрам. Появились художники, которые работали только в жанре морского пейзажа или жанре городских видов, или изображали интерьеры помещений (комнат, храмов). В истории живописи были примеры натюрмортов и пейзажей, но никогда прежде эти жанры не достигали такой массовости и самодостаточности, как в Голландии XVII века. Об особенностях формирования жанра натюрморта в живописи «малых голландцев» я собираюсь рассказать в ближайших выпусках блога. А с примерами натюрмортов этого периода Вы уже могли встречаться на страницах блога:

Геррит Доу. Натюрморт с глобусом, книгами и лютней.

Виллем Кальф. Натюрморт с наутилусом и китайской чашей.

Питер ван Стенвейк. Натюрморт “Эмблема смерти”.

Виллем Кальф. Натюрморт с рогом.

Трубки на столе.

Ян Дaвидс де Хем. Десерт.

Аллегория времени в натюрмортах Геррита Доу.

Виллем Кальф. Натюрморт с наутилусом и китайской чашей.

Виллем Кальф. Натюрморт с наутилусом и китайской чашей.

Виллем Кальф. Натюрморт с наутилусом и китайской чашей.

Любители ли Вы красивые вещи? Какие-нибудь штучки, безделушки, аромолампы, посуду, сувениры… Вообще-то, этим увлечением чаще «грешат» женщины. Соберутся на девичник и давай рассказывать, что видели интересного и оригинального. Или еще можно совершить захватывающий и опустошительный  поход по магазинам. Или что-то продемонстрировать – как одна моя приятельница, которая организовала мастерскую по изготовлению сувениров. Так вот, периодически она зовет меня в гости и показывает новую коллекцию открыток, текстильных сумок и керамики. Обычно я эту красоту фотографирую на память. А 3 века назад художники, видя красивые вещи, создавали натюрморты. Вот вам новая версия возникновения жанра still life.
Любование красивыми вещами, уважение к создателю этих вещей – человеку и к творцу исходного материала – природе сквозит в прекрасных натюрмортах голландцев XVII века. Да, голландцы любили и понимали толк в добротном интерьере, в комфортной сервировке стола, где все необходимое под рукой, в удобной посуде — в том материальном мире, который окружает человека.
Были у трудолюбивых и любознательных голландцев еще такие специфические увлечения, — это так называемые «тюльпаномания» и «раковиномания», а также коллекционирование всевозможных диковин, привозимых из экзотических стран. Ракушки самой причудливой и разнообразной формы можно встретить во многих голландских натюрмортах. Необычная форма раковин вдохновляла ювелиров на создание необычной посуды. Например, кубок-наутилус на этой картине Виллема Кальфа. Это ракушка от моллюска превратилась в произведение ювелирного искусства. Была природной, стала рукотворной.
А вот причудливая вазочка в китайском стиле – восточная редкость. Считают, что она была создана в 1640-1660 годах специально для продажи на европейский рынок, но в Голландии знали только несколько экземпляров подобных вещиц. Снаружи она украшена восемью рельефными фигурками, олицетворяющими восьмерых бессмертных в даосизме, шишка на крышечке – это очертания буддийского льва .
Этот натюрморт дополнен традиционным для Кальфа персидским ковром и лимоном с тонкой спиралью кожуры. Пирамида предметов тонет в дымке полумрака, иногда лишь легкие блики обозначают форму вещей. Природа создала ракушку, ремесленник ее превратил в кубок, художник нарисовал натюрморт, а мы всей этой красотой наслаждаемся. Ведь суметь увидеть красоту – тоже талант.

Эваристо Баскенис. Натюрморт с музыкальными инструментами.

Эваристо Баскенис, натюрморт с музыкальными инструментами, 1650

Эваристо Баскенис, натюрморт с музыкальными инструментами, 1650

Эваристо Баскениситальянский художник, работавший в XVII веке в городе Бергамо. Он прославился своими натюрмортами, изображающими музыкальные инструменты. С удивительной фотографической точностью художник запечатлел на своих холстах скрипки, лютни, виолы, теорбы — инструменты малознакомые для человека XXI века. Интересно, был ли Баскенис музыкантом? Откуда у художника возникла такая любовь к музыкальным инструментам? О жизни Баскениса нам мало что известно, и потому эти вопросы останутся без ответов.
Интересно… Для чего на смычок от скрипки привязана розовая лента, такая же, как и на лютне? Играть на скрипке с бантом на смычке не совсем удобно. А у виолы оборваны струны и связаны в узел рядом с колками. Лютня, лежащая на заднем плане, тоже не в рабочем состоянии, приглядитесь к ее деке — струны не натянуты, а топорщатся дыбом. На этих инструментах нельзя играть. Художник, видимо, сознательно показывает их функциональную неполноценность. Да, они красивы, но только лишь как объекты для глаз. Художник показывает свое мастерство при передаче формы, цвета, ракурса, точности деталей. Эти музыкальные инструменты интересны ему как предметы для still life, это торжество зрения — одного из 5 чувств. Это торжество живописи. Это также торжество самого Баскениса, искусного художника своего времени. Но в этом натюрморте нет музыки. И нет человека. Ведь зачем человеку музыкальный инструмент? Чтобы играть. А если у инструмента оборваны струны, что с ним делать?

Неожиданный получился натюрморт. С музыкальными инструментами и без музыки…
Но так не справедливо. Все-таки инструменты должны звучать. Предлагаю раскрасить эту картину не только масляными, но и звучащими красками. Послушайте ричеркар для 6-хорной лютни итальянского композитора начала 16 века Франческо Спиначино.

Питер ван Стенвейк. Натюрморт «Эмблема смерти»

Как видите, это один и тот же натюрморт, только отраженный слева направо. Прежде чем Вы приступите к чтению моей статьи, попробуйте отгадать самостоятельно, где же оригинал? Это совсем просто, присмотритесь: в картине есть подсказка.

В вопросе восприятия картины существуют как объективные, так и субъективные моменты. Каждый зритель обладает своим восприятием, основанным на богатом или бедном зрительском опыте, на характере образования, интересах, на индивидуальных психологических особенностях. Однако есть одна особенность восприятия зрительного образа, объединяющее всех европейцев — это осознание информации слева направо. Безусловно, здесь отразились европейская традиция чтения и написания текста. Этот важный момент восприятия композиции отметил Б.Р. Виппер: «Нет никакого сомнения, что по воле художника мы воспринимаем одну сторону картины чуть раньше, чем другую, рассматривая ее как начало, другую же как завершение. «…» иными словами, всякая картина развертывается для нас не только в пространстве, но и во времени». И действительно, сравнивая подлинные картины и зеркально отраженные, можно увидеть огромную разницу, несоответствия и даже курьезы. Например, в натюрморте типа vanitas Питера ван Стенвейка (1540-е годы) изображены символы бренности бытия: череп, пустой саквояж, как аллегория последнего путешествия в мир иной, потухшая свеча, а также в сравнении показана тщета земных радостей: лютня, трубка, табак, кувшин, книги. По сути своей картина повествует о неизбежной смерти, в доказательство этому можно привести падающий луч света, пересекающий картину по диагонали слева направо, а также распределение предметов по типу «с горки — вниз», ведь стол кончается, а дальше пустота. Но говорить о пессимистическом «конце света», который когда-нибудь состоится для каждого человека, можно только в том случае, если «читаешь» картину слева направо. Когда мы смотрим на зеркально отраженный вариант, то напротив, возникнет — четкое ощущение радости, райского света, льющегося из будущего, освещающего сумерки земной жизни. В такой интерпретации пропадает осуждение земных наслаждений: распакованный саквояж, вино, лютня, книги — здесь, наоборот, могут говорить о грядущих радостях. Картина полностью изменила свое настроение, зеркально отразился не только ее сюжет, но и смысловое значение.

Эта тема зеркально отраженных картин имеет не только теоретически-искусствоведческое значение, но и практическое. В книгах, интернет-сайтах мне приходилось часто встречаться с искаженными картинами. Сами понимаете, что теряется доверие к авторам подобных изданий, хотя, часто это и не их вина. Но бывает и наоборот: в оформлении обложки книги «Малые голландцы» из серии «Художественные направления и стили» (М.. 2004 год) частично использован натюрморт с рогом Виллема Кальфа, причем, именно отраженный вариант. И надо сказать, что там он смотрится вполне органично, не вызывая раздражения, как часть дизайна. Конечно, на компьютере можно сделать с картинкой все, что угодно — обрезать, отразить, изменить цвет, но мне бы хотелось еще раз напомнить, что автор задумывал определенный вариант. И, следовательно, композиция картины имеет право на сушествование только в авторском варианте. Если что-то меняется, нужно об этом оповещать зрителя. Ну, как-то бережнее нужно обращаться с наследием предков!

P.S. А для внимательных зрителей — личная подпись г-на Стенвейка, притаившаяся под столом, является еще одним, пожалуй, самым заметным и очевидным доказательством.